El maestro invita a un concierto (Conciertos para jóvenes)

EL MAESTRO INVITA A UN CONCIERTO (CONCIERTOS PARA JÓVENES)
Autor: Leonard Bernstein

Leonard Bernstein (1918-1990) fue un famoso compositor y director de orquesta, además de tener otras muchas facetas, entre ellas la pedagógica.

Al público más alejado del mundo de la música clásica le sonará el nombre, al menos, por la banda sonora de West Side Story. Aunque antes de ésta ya obtuvo gran popularidad por sus "Conciertos para jóvenes". Fueron una serie de conciertos retransmitidos por la televisión que Bernstein ofreció con el objetivo de acercar la música clásica a la gente joven, a los que menos la escuchan y más les asusta. Bernstein realizó nada menos que 53 conciertos repartidos entre los años 1958 y 1971 en los que el director explicaba diferentes conceptos o aspectos musicales, se centraba en algún compositor, etc. todo con un lenguaje muy sencillo, apenas tecnicismos, alternando las explicaciones con ejemplos musicales en los que incluyó no solo música clásica sino también Jazz o Pop/Rock del momento (hace ya algunos añitos), como por ejemplo Elvis, The Beatles, The Kinks o Cole Porter.

El libro que reseño es una transcripción al papel 15 de estos conciertos.
Debo decir que no tengo conocimientos musicales, aunque sí mucho interés, y el libro me ha resultado muy ameno y muy fácil de entender. Realmente es una manera estupenda de acercarse a la música clásica (aunque Bernstein discute el concepto de "música clásica" en el libro, no entremos en camisas de once varas).

Sólo cabe una objeción, que es un libro y no trae CD así que los fragmentos musicales los han transcrito a solfeo de la forma más sencilla posible para que pueda ser tocado en un piano.


Los 15 conciertos transcritos a este libro son:
1. ¿Qué significa la música? (concierto del 18/01/58)
2. ¿Qué hace que la música suene "Americana"? (concierto del 1/02/58)
3. ¿Qué es la orquestación? (Concierto del 8/03/58)
4. ¿Cómo se hace la música sinfónica? (Concierto del 13/12/58)
5. ¿Qué es la música clásica? (Concierto del 24/01/59)
6. El humor en la música (Concierto del 28/02/59)
7. ¿Qué es un concierto? (Concierto del 28/03/59)
8. Música folclórica en la sala de conciertos (Concierto del 9/04/61)
9. ¿Qué es el impresionismo? (Concierto del 1/12/61)
10. ¿Qué es una melodía? (Concierto del 21/12/62)
11. ¿Qué es la forma sonata? (Concierto del 6/11/64)
12. Un homenaje a Sibelius (Concierto del 19/02/65)
13. Átomos musicales: un estudio de los intervalos (Concierto del 29/11/65)
14. ¿Qué es un modo? (Concierto del 23/11/66)
15. El "viaje" de Berlioz (Concierto del 25/05/69)



De todos estos capítulos me gustaron especialmente el 1º, el 5º y el 10º porque muchas veces o nos perdemos en los conceptos o los conceptos nos acotan demasiado lo que es la música. En estos capítulos Bernstein intenta hacer que sepamos qué son estos conceptos pero no porque nos aprendamos un significado teórico sino por disfrutar de lo que se intenta definir.
En el 8º, el 9º y el 11º disfrutas escuchando el tipo de música que trata.
Los que hacen los números 13 y 14 son los más técnicos, en ellos se dedica a explicar los intervalos, escalas, modos, etc. Es por esto que son un poco más complicados para los que no tenemos conocimientos teóricos, pero muy interesantes.
Comento estos por comentar algunos, pero son todos magníficos.

Recomiendo vivamente este libro a todo amante de la música.
Aunque yo me quedo con las ganas de ver los vídeos de estos conciertos. 25 de ell os se editaron en DVD, a ver si se pueden conseguir subtitulados al español.

Alatriste (Agustín Díaz Yanes)

Pobre Alatriste

Ayer vi la película sobre el personaje de Pérez Reverte, y me decepcionó bastante.
No puedo comparar la película con las novelas porque leí tres de ellas hace bastantes años y no las recuerdo bien, pero la película como tal no me gustó.

Lo primero que me chocó fue la voz del capitán Alatriste (Viggo Mortensen), que para que no se le note el acento fuerza una voz ronca que además de ser fea resulta difícil de entender. ¡Vocaliza Viggo!
La película en general carece de ritmo, de hilo conductor y casi de diálogo. Son escenas seguidas, unas detrás de otras, como si hubieran rodado minutos y minutos y más minutos y hubieran tenido que meter la tijera para reducir el metraje a algo más de dos horas.
Lo que menos me gustó es esa falta de diálogo. Los personajes no llegan a ser personas, son hombre rudos, sin sentimientos, no humanos.

Para mí, lo mejor de la película fueron ese gran elenco de actores españoles: Javier Cámara, Juan Echanove, Pilar Bardem, Pilar López de Ayala (aunque sale poquísimo), Eduardo Noriega, etc.; el ver una película localizada en la historia española; la fotografía, que claro utilizan monumentos de España y te hacen ver los sitios que has visto y has visitado en una época lejana para nosotros; y el tema que suena en la última batalla, esa marcha procesional por excelencia: "Amargura". Una marcha procesional preciosa, lenta, muy lenta, y triste, cargada de sentimiento y emoción.
¡Ah, y cómo no! la aparición en al menos un par de escenas de mi amigo Antonio López.

Acordes y desacuerdos (Woody Allen)

La unión entre el jazz y el cine mudo.

Woody Allen dirige esta película biográfica sobre Emmett Ray, un músico de Jazz, compositor y un guitarrista fuera de serie, que vivió en los años 30 en los Estados Unidos de América.
Con los buenísimos toques de humor que distinguen las películas de Allen vemos cómo transcurre la vida de este sensacional maestro de la guitarra jazzística, sus aventuras y desventuras, amores, su forma de ganarse la vida, su amor a la música, al jazz y a la guitarra, etc. Un personaje que da mucho de sí y que Sean Penn borda con una interpretación magistral.

Pero... ¿realmente vivió Emmett en esa época y en ese lugar? ¿realmente vivió? No, es un personaje que ha nacido de la cabeza de Woody Allen, pero si ves la película acabas convencido de que vivió. ¡Es genial! Allen ha creado un personaje, un músico de Jazz, y lo ha puesto en nuestro mundo dándole una vida con sus anécdotas, composiciones y grabaciones propias. En la película aparecen personajes reales, críticos y amantes de jazz que le han estudiado, como hemos visto en muchos documentales y making-off, lo que hace aún más verosímil la existencia de Emmett Ray.

Aunque en la película hay un personaje que sí pertenece a la vida real, a esa época, pero que vivió en otro lugar: Django Reinhart, un gran guitarrista de Jazz, gitano y francés. Django, aunque no es realmente un personaje de la película, está presente en todo el metraje porque es alguien ante quien Emmett se rinde a sus pies por la música que es capaz de crear e interpretar.
Emmett, como él mismo dice, es el mejor guitarrista de Jazz del mundo. Bueno, del mundo no porque "...en Francia está el gitano ése: Django", con el que Emmett llora cada vez que lo escucha.

La película, de aproximadamente hora y media de duración, es muy entretenida, con escenas muy divertidas. Y es un homenaje al Jazz, la película está salpicada de muchos temas de Jazz de los años 30, muchos estándars como Caravan, All of me o Shine, y también al cine mudo, ya que la novia de Emmett es una preciosa muchacha muda, muy bien interpretada por Samantha Morton.
Tanto Sean Penn como Samantha Morton estuvieron nominados para los Globos de Oro y para los Oscar.

Recomendable para todo al que le guste Woody Allen, para todo al que le guste el Jazz y para todo al que le encanten las dos cosas.




BSO:

3:00 am blues
All of me / The peanut vendor / It don't mean a thing I / Shine
Caravan
I'll see you in my dreams
I'm forever blowing bubbles
It don't mean a thing I / Shine
Just a gigolo
Mystery pacific (medley)
Old fashioned love
Shine
Sweet Georgia brown
There'll be some changes made
Unfaithful woman
Viper mad
Wrap your troubles in dreams (and dream your troubles away)

El violinista sobre el tejado (Norman Jewison)

Si yo fuera rico

Canciones míticas, ¿quién no recuerda aquél: "If I were a rich man" o ése "Tradition"? Incluso los que no han visto la película habrán escuchado alguna vez estos temas. Éste era mi caso hasta el otro día que decidí ver la película.

Se trata de un musical al más puro estilo de los musicales de Holliwood en el que nos cuentan la vida de una familia numerosa, judía y pobre que vivía en un pueblecito de Rusia allá por el 1905.
Metiéndonos en el contexto de la época vemos con total normalidad cómo el padre, el cabeza de familia, trabaja duro para alimentar a sus 5 hijas y a su mujer, quien cuida de las hijas y de la casa. Tres de estas cinco hijas ya están en edad de casarse así que los padres junto con la casamentera oficial buscan marido. Naturalmente las hijas tienen sus propias vidas y quieren decidir por ellas mismas, lo que choca con la tradición y la mentalidad del padre, claro está. Pero las tradiciones cambian y el amor del padre hace que se esfuerce en superarlas.

Muy bueno el papel del padre, de esa figura del cabeza de familia al que sus hijos le rompen todos los esquemas y se encuentra totalmente perdido en la vida, sin saber si debe ser inflexible para seguir sus esquemas mentales o debe romperse para ver a sus hijas felices, a lo que ayuda el amor que les tiene. Un papel que todos vemos en mayor o menor medida, antes o más tarde, en nuestros padres o en padres cercanos.

La película, de 1971, se basa en una novela que anteriormente ya se representó en teatro, y está dividida en dos actos, resultando demasiado larga.
La banda sonora, adaptada por el famoso John Williams y contando con uno de los mejores violines del siglo XX: Isaac Stern, es buena, destacando por supuesto los temas que nombré antes y que distinguen el musical.

Película recomendable para todo el que le gusten los musicales y para todo cinéfilo.



BSO
01- Prologue and tradition & main title
02- Matchmaker
03- If I were a rich man
04- Sabbath prayer
05- To life
06- Miracles of miracles
07- Tevye's dream
08- Wedding procession
09- Sunrise, sunset
10- Wedding celebration and the bottle dance
11- First act finale
12- Entr'acte
13- Do you love me
14- Far from the home I love
15- Chava ballet sequence
16- The rejection scene
17- Anatevka
18- Finale
19- Any day now

Delicatessen (Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet)

Delicatessen, ¡nada que ver con el título!

Película francesa del año 1991.


Mi mente se hizo una idea de esta película partiendo de dos puntos: el título de la película y la primera escena en la que se ve la puerta de un establecimiento comercial.
La idea era que este establecimiento era una pastelería y se trataba de una película tipo "Como agua para chocolate".
Idea equivocada, nada más lejos de la realidad. Se trata de una película gris que narra un cuento, un cuento un tanto espeluznante, de esos que si se lo cuentas a un niño antes de dormir seguro que se despierta con pesadillas.
El argumento me pareció original, no lo cuento para no destrozar nada, y a ratos te hace reír porque está salpicada de humor negro. El metraje correcto, quizás yo lo reduciría un poco, pero no es larga, dura aproximadamente hora y media.
Recuerda un poco a Amelie por la manera en que está rodada, cambios de escenas y movimientos de cámara, aunque recuerdo que al terminar de ver Amelie en mi cara tenía una sonrisa y al terminar ésta me quedé sentado en el sillón recordando haciendo recopilación de la película.

Una vez que han pasado unos días de verla la recuerdo con agrado. La volvería a ver, esta vez sin esperarme algo totalmente opuesto a lo que es.

Hoy no me puedo levantar (Nacho Cano)

Otro producto "Nacho Cano"

Hace unos meses fui a Madrid a ver el musical de Mecano.
Mecano había sido mi grupo musical por excelencia en mi adolescencia, tenía y tengo todos sus discos, asistí a 3 conciertos suyos, posters y todo lo que se suele comprar un adolescente fan de un grupo de pop de moda.
Aún me gusta escuchar sus canciones de vez en cuando y hay que reconocer que los conciertos que hacían estaban muy bien montados, buenos equipos, buena decoración, coreografía, espectáculo.

Fue por esto que me regalaron las entradas para el musical de Mecano así que iba con ganas, aunque con cierta reticencia ya que sabía que no podía esperar una repetición de sus conciertos y que las canciones no serían igual.
El resultado fue decepcionante. Para empezar el teatro dejaba bastante que desear. Se trataba del teatro Movistar de Madrid. Es muy estrecho, no muy profundo y creo recordar que tenía 3 plantas, el problema es que los que estaban en las últimas filas de la planta baja apenas veían bien porque tenían el techo de la siguiente planta muy pegado a sus cabezas. Para "solucionarlo" habían puesto televisores, como en los autobuses.
El musical propiamente dicho me pareció excesivamente largo. De hecho duró alrededor de 4 horas con una pausa, pero realmente se hizo más largo porque apenas tiene argumento, y claro, alargar un argumento pobre, por mucho que esté intercalado de canciones se acaba haciendo largo.
Efectivamente el argumento es muy muy pobre y muy muy típico, con personajes super estereotipados. Además está mal distribuído, el primer acto es larguísimo y llega un punto en que no pasa absolutamente nada, son simplemente scetchs malos con chistes muy malos, uno tras otro, todos orientados al tema sexual y en algunos casos un tanto groseros y grotescos, más pensando que había niños viendo el espectáculo. En el segundo acto es cuando se desarrolla casi toda la historia.

Algo positivo es los guiños que se hacen a la época, a los grupos musicales de la época y sí hay que reconocer es que el montaje de las escenas musicales es bueno, atractivo. Los actores cantan y bailan bien y está muy cuidado el maquillaje, vestuario, coreografías y mobiliario escénico.


En definitiva, no merece la pena. Me pareció (es una opinión muy personal) que simplemente que Nacho Cano quería ganar dinero con la moda de los musicales.

Cansión instrumentá del hombre que tenía el reco del mundo de llevarse más tiempo hablando... (Mojinos Escozíos)

Pa' jartarse de reír

Sí, este título tan cortito resume perfectamente esta canción. ¡Qué peshá de reír!
¿De qué va a ir esta canción con este título? Pues de un colega que habla, habla, habla, y sigue hablando. Y eso nos cuenta la canción, nos cuenta las cosas que le pasa a este hombre que no puede parar de hablar, hasta que los músicos que le acompañan no aguantan más y tratan de matarlo. Aunque les cuesta.

Este tema me lo puso una amiga sin tener ni idea de lo que iba, ¡y me partí de risa!
Desde entonces me lo pongo de vez en cuando si estoy de buen humor y tengo ganas de reírme.


Este grupo no es que haga buena música pero hacen canciones muy divertidas, son unos guasones.
El primer grupo que conocí que hacía este tipo de canciones fue "No me pises que llevo chanclas", sevillanos y muy divertidos, y éstos ha seguido la saga. Al fin y al cabo provienen de la misma tierra.


Recomendable para todo el que tenga buen humor y risa fácil.

Lucía (Joan Manuel Serrat)

Bonito nombre para una preciosa canción

Una de las canciones que más me emocionan. De las mejores canciones que ha compuesto e interpretado Joan Manuel Serrat, que no es decir poco.
No sé si alguna vez existió Lucía en la vida de Serrat, pero si así fue realmente tuvo que amarla para crear esta preciosa canción de amor.
Desde 1971, fecha en que salió a la luz, ha sonado miles de veces y ha sido versionada otras tantas.

Para mí la mejor versión es la original, la que cantara Joan Manuel Serrat.
Es la más rápida de todas las que he escuchado, como si no quisiera hacer una canción melosa, aunque no por eso deja de llegar al corazón, y es también la más intensa. Está maravillosamente arreglada, como la mayoría de las canciones de Serrat, con un amplio abanico de instrumentos: el protagonismo del piano que no puede faltar en sus canciones, la sección de cuerda, la base rítmica, los coros, etc.

Cuando una canción me gusta tanto es difícil que acepte una versión.

De las que he escuchado me han gustado la interpretada por Pasión Vega y algo menos la del recopilatorio en homenaje al compositor en el disco "Cuba canta a Serrat" interpretada por Haila. Ambas del 2005.
Pasión Vega, en la versión que grabó en directo en el teatro Maestranza, está muy bien acompañada por un piano y un solo violín, creando una balada íntima y llena de pasión, valga la redundancia, gracias a la gran voz de esta cantante.
La segunda versión busca aún más intimidad ya que también es muy lenta y Haila se acompaña solo con un piano.

La tarara (Federico García Lorca) (por Chano Domínguez)

El piano más español: Chano Domínguez.

Chano Domínguez, pianista gaditano e internacional.
Chano es uno de los más grandes pianistas que existen actualmente en el mundo musical, y a mi parecer el que mejor a conseguido fusionar el jazz con el flamenco, aunque no sólo con el flamenco sino también con la copla y las canciones populares de éste y del otro lado del charco.


En esta reseña quiero mostrar un poquito de su arte viendo la maravilla que ha hecho con un tema popular, con la canción de García Lorca "La tarara".

Soy muy crítico con las versiones de las canciones que conozco y amo, pero cuando encuentro una buena versión de alguno de estos temas me sobrecoge. Esto es lo que me ha ocurrido en este caso.
Respecto a esto dice Chano «...cuando empecé a tocar jazz, a tocar estándares americanos de películas, como "Autumn Leaves" ["Les feuilles mortes"], "Días de Vino y Rosas" ["Days of Wine and Roses"] o "Someday My Prince Will Come" –que son temas maravillosos y que aún toco hoy en día– me di cuenta de que en los años 30 y 40 cuando los músicos de jazz iban a las jam sessions improvisaban esa música, que eran las canciones que ellos conocían desde pequeño. Fue esto lo que me incitó a coger temas que yo conocía de siempre y tocarlos como si fuesen estándares de jazz. Creo que hay un montón de composiciones, tanto de aquí (la canción española, la copla, la canción popular, la tradicional…), como del otro lado del charco (el bolero, el tango, la milonga…) que están escritas en castellano y que sencillamente me gusta interpretar. Disfruto tocando "Gracias a la vida", "El toro y la luna", o "La Tarara". Son los estándares míos, los que conozco desde hace muchos años.» (Entrevista a Chano, tomajazz)



Conozco tres versiones de "La tarara" nacidas de las manos de Chano Domínguez, las tres en formación de trío: piano, contrabajo y batería.


La primera que escuché fue la grabada con la grandiosa voz de Ana Belén, que combina estupendamente con el trío de jazz, para el disco "Lorquiana" de 1998.
En este disco La tarara aparece como una canción popular e intensa muy fiel a la melodía original y a la vez muy jazzística. Espléndida por la voz y el sólo de piano. Chano está acompañado por otros grandes: Javier Colina al contrabajo y Guillermo McGill a la batería.


La segunda versión es del disco "Chano", de 1993. Esta versión es instrumental y en la que Chano la desarrolla mucho más. De los 3:30 minutos de la anterior versión pasa a 7 estupendos minutos y medio, que terminan con un genial solo de batería que te deja pidiendo más.


La tercera versión es la más reciente, pertenece al disco "con alma", de 2005.
El trío de jazz vuelve a ser la clave aunque esta vez aumenta la velocidad y la intensidad del tema, disminuyendo la duración y el piano está mucho más desarrollado.




Recomendado para todo el que le guste el Jazz, la canción española y el piano.

es Carlito Marrón (Carlinhos Brown)

Carlinhos, el artista brasileño más conocido

Carlinhos Brown es Carlito Marrón.

Carlinhos Brown es un buen artista brasileño. No es brillante como los innolvidables Vinicius o Tom Jobim, no tiene una gran voz ni tiene composiciones que deban pasar a la historia, pero tiene algo que lo ha llevado y lo mantiene en lo alto, posiblemente sea sus ganas de trabajar, de divertirse con la música y de experimentar con ella.

Carlinhos Brown es Carlito Marrón lo escuché por primera vez en casa de una amiga. El disco acababa de salir a la luz y cuando lo escuché lo primero que pensé fue "¡Qué hace un brasileño haciendo música cubana!" y no me gustó.
Admiro a los músicos que experimentan, que no se quedan haciendo siempre lo mismo porque haya tenido éxito y ventas, pero ciertamente es algo arriesgado y puede que salgan bodrios. Eso fue lo que pensé al escuchar este disco por primera vez, y me lo grabé por tenerlo, aunque estuve a punto de no hacerlo.
Ahora pienso que es de los mejores discos que tiene Carlinhos. Hay que escucharlo varias veces para sacarle jugo. Me resulta muy alegre y divertido.
La primera canción que se metió en mi cabeza fue "Aganju". Tiene un ritmo muy pegadizo, con unos graves y percusión que te llevan durante toda la canción, algo así como los ritmos tribales para meterte en trance.
Después me encantó "Carlito Marrón", es una canción muy fresca y divertida, aunque es mejor la versión que aparece en la película de Fernando Trueba "El milagro de Candeal" por los metales que acompañan, le dan mucha vida al tema.
Con "Combiaumoura", "Yabà" y "Conga De Bongô" se mete de lleno en la isla vecina, Cuba.

En definitiva, éste me parece su disco más redondo.
Lo recomiendo a todo aquél que le guste la música sudamericana.

Por cierto, recomiendo ver la película de Trueba para conocer un poco más Cuba, Brasil, su cultura, su música y a Carlinhos y a Bebo Valdés.

Concierto 2006 (Kroke)

Partiendo del Klezmer

El Grupo

Kroke es un grupo polaco que comenzó a principio de los 90 y que a partir de la música tradicional judía de aquella región crea nuevas composiciones, modificando los ritmos, los tiempos, melodías, con influencias jazzísticas, haciendo solos y fomentando el virtusismo, sobretodo de la viola.

La banda la forman cuatro buenos músicos:
Tomasz Kukurba, toca la viola y violín que además silba y canta (sin letra) en algunas canciones.
Tomasz Lato en el contrabajo que combina la técnica de pellizcar las cuerdas con el arco.
Jerzy Bawol con el acordeón que crea una base sonora envolvente.
Tomasz Grochot a la percusión que le da mucha fuerza a las canciones.
En un principio el grupo eran los tres primeros, éste se unió hace poco.

Sus canciones son de las que yo denomino "orgásmicas", es decir canciones largas, en las que se repite una melodía a la que le van haciendo variaciones, con lo que consiguen meterte en la música, flotar de nota en nota, te envuelven y van in crescendo hasta que llegan a la cúspide de la emoción con algún cambio de ritmo o algún solo, que suele ser de violín quizás acompañado de voz, teniendo siempre de base el ritmo y la melodía que llevan el contrabajo, el acordeón y la percusión.


El Concierto

Como realmente se vive la música es escuchándola en directo, viéndola, palpándola, dejándote embriagar, observando a los músicos, cómo tocan los instrumentos, cómo disfrutan con esa interpretación.

Así es como sentí a Kroke el pasado 9 de Noviembre en el concierto que ofrecieron en Sevilla, en un marco incomparable, el Pabellón Hassan II, donde está ubicada la sede de la Fundación Tres Culturas, el que fuera pabellón de Marruecos durante la Expo '92. Se trata de un edifício precioso, de los más bonitos que recuerdo de la Expo, totalmente decorado al estilo de donde provenía, paredes, suelo, techo, ...



Y el concierto tuvo lugar en la sala principal del edificio, una sala ni grande ni chica, pero llena de gente, con una bonita fuente en medio (apagada, claro). Los músicos se pusieron en un pequeño escenario a la altura del público y todos nos pusimos alrededor o en los balcones del piso superior.
Desde luego no podía haber sitio más bonito para escuchar la inspirada música de Kroke.





Un poco pasadas las 20:30h. aparecieron los cuatro integrantes del grupo con pantalón negro, camisa blanca y sombrero negro.
El concierto duró aproximadamente dos horas sin interrupción, interpretando magistralmente los mejores temas de sus discos y alguno que otro nuevo. En casi todos los temas intervinieron los cuatro músicos pero en alguno que otro el percusionista dejó que el trío inicial tocara como lo habían hecho durante casi toda su carrera, ya que él se unió al grupo no hace mucho. Sin la percusión suenan más tradicionales.

Todo lo que sonaba (el sonido excelente) lo producían ellos con sus intrumentos o sus voces, nada de ordenadores ni sonidos enlatados, y me pareció increíble que sólo cuatro músicos, cada uno con su instrumento, fueran capaces de producir tantos sonidos.
El contrabajista solía tocar pellizcando las cuerdas pero también usó el arco, el violinista y voz cantante del grupo en escena lo hacía al revés, solía tocar con el arco pero de vez en cuando también pellizcó las cuerdas de su violín, además de silbar y tararear, el acordeonista, discreto, supo dar fondo a todas las canciones interpretando también algún solo y el percusionista me pareció fabuloso.
Un pequeño detalle, en la canción titulada Time suena al principio el tic-tac de un reloj. Pues en directo este tic-tac lo hace el percusionista con una especie de maraca y se tira el colega al menos 4 minutos con el tic-tac-tic-tac sin perder compás, tiene que echar un bíceps poderoso.

Al final del concierto y tras un largo aplauso tocaron el bis que el pedíamos, pero aún cuando abandonaron el escenario y se fueron a los camerinos tuvieron que volver a salir para interpretar la última.

En definitiva un gran concierto.
Lo único que cambiaría sería las sillas. Yo no pondría sillas en la sala porque cuando estás dentro de la canción el cuerpo te pide movimiento, que bailes al son.




Enlaces

• Fundación Tres Culturas: http://www2.tresculturas.org/actividad_ficha.cfm?id=490

• http://es.wikipedia.org/wiki/Kroke

• http://www.espiritudelsur.com/grupos/kroke.htm (Aquí se puede escuchar algunos temas)
  

Primavera en Nueva York (Martirio)

Concierto con Kenny Drew trío

Martirio acaba de sacar su último disco titulado Primavera en Nueva York.
Este trabajo sigue la línea de sus últimos álbunes, rehacer canciones antiguas, clásicos casi siempre, añadiéndole un buen puñado de jazz o de flamenco, pero en este caso ha incluído algunas novedades. En sus anteriores trabajos tocó, versionó y/o actualizó la copla, algunos boleros y canciones de toda la vida, sobretodo del continente americano, del sur claro.

En éste se ha centrado en el bolero, pero con una particularidad, ha buscado boleros de los años 40-50 no muy conocidos, que por alguna razón quedaron olvidados en el baúl de las canciones, son boleros que además ya tenían influencias de Jazz porque son de la época en que el Jazz entró en Cuba, y ahora los ha hecho todavía más jazzísticos. Son todos cubanos excepto uno que es de una Portoriqueña (Sylvia Rexach) y Martirio lo presenta como el primer bolero feminista, y es que es cierto que el bolero, como la copla, siempre ha sido un tanto machista. En este bolero es la mujer la que toma la iniciativa y la decisión.

Una idea muy buena ha sido el hacer un disco que, en toda su duración cuente una historia. Una suite. El disco habla de la historia del amor y comienza contándonos cómo es el primer enamoramiento, cómo lo escondemos y luego cómo lo sacamos a la luz, cómo lo vivimos y cómo llega un punto en que muere el amor hasta la dolorosa ruptura, que no es el final sino que se renace y se vuelve a vivir y termina felizmente con un nuevo enamoramiento.

Otra estupendísima novedad es la banda que arropa y hace que éste sea un buen disco. Habiendo hecho ya buenos trabajos con el gaditano Chano Domínguez ahora Martirio pasa a trabajar con músicos internaciones, un trío de primera línea:
Kenny Drew al piano, George Mranz al contrabajo y Dafnis Prieto a la batería

Parece que el bolero estuviera esperando al Jazz para ser completado, es una combinación perfecta.


Concierto.

Aún no tengo el disco pero el 10 de Noviembre acudí al concierto con el que nos lo presentaron a Málaga en el teatro Cervantes durante el festival de Jazz.

En el escenario me encontré, a la derecha, la batería del cubano afincado en Nueva York Dafnis Prieto, al fondo el contrabajo del Checo George Mranz y el piano de cola de Kenny Drew, hijo del Bronx, a la izquierda.

Comenzó el concierto el trío en solitario con un tema muy bueno, un bolero-jazz instrumental muy vivo (espero que en el disco estén incluídos los temas instrumentales que tocaron), para luego aparecer Martirio con un vestido negro, sus gafas negras y una peineta que recordaba a la estatua de la Libertad.



En general me gustó mucho el concierto, y he de suponer que por tanto me gustará el disco. Aunque me pareció que la interpretación de Martirio no llegaba al nivel de sus discos anteriores.
Al ser todos boleros tenían todos el mismo tono aproximadamente, me hubiera gustado escuchar en uno de los temas un sentimiento más desgarrador, ya sea de rabia o de amor imposible de contener. De todas formas habrá que escuchar el disco.
La verdad es que lo que más admiro de esta artista es su amor por la música, lo que la hace estudiar e investigar y no repetir siempre lo mismo. Buscar en temas olvidados, tratar de renovarlos mezclándolos con nueva y buena música actual. En cuanto a versionar es una maestra, no es nada fácil versionar.

Lo mejor del concierto fue que me llevé una muy grata sorpresa al escuchar a los músicos, un trío fantástico, sensacionales, con un sonido muy limpio.
Kenny Drew, un hombre enorme y tímido, por cierto, me pareció un pianista buenísimo haciendo unos solos en todas las canciones, ¡a cuál mejor!, haciendo sonar su piano a bolero 100% o recordando el jazz más norte-americano. Hubo un tema en que dejaron al piano en solitario interpretando una música que me trajo a la mente a Chopin (aunque no entiendo mucho de música clásica), un tema lento, triste, melancólico que pasado un tiempo comienza a ver alegría, a subir de ánimo llegando a ser feliz y pasando de una forma sensacional, casi sin darte cuenta, del piano clásico al jazz siendo la misma música, para terminar de nuevo lentamente con la parte clásica.
Prieto, el batería estuvo muy bien, muy ágil y siendo discreto, en su papel de batería de bolero, tocando con las baquetas de balada (no recuerdo el nombre).
Y el contrabajista era el complemento perfecto para el piano, incluso era el solista perfecto. En un tema sólo están la voz de Martirio y el contrabajo, pellizcado y tocado con arco, siendo el primer single y vídeo promocional grabado por Trueba.

Ver vídeo en youtube.


Enlaces interesantes

• En lanota.es hay un interesante dossier sobre Martirio, biografía y discografía. http://www.lanota.es

• Para conocer algo de Martirio por una entrevista: http://www.aireflamenco.com/elpatio/martirio.htm

• Presentación del disco en
• http://www.click2music.es/martirio/
• http://www.diariomalagahoy.com/20219_ESN_HTML.htm
  

Diamantes de Sangre (Edward Zwick)

EEA

Sierra Leona, tráfico de diamantes, esclavitud, guerra, avaricia, dinero,... tres personajes se encuentran metidos en esto: un traficante (DiCaprio), un pescador separado de su familia y esclavizado (Djimon Hounsou) y una periodista (Jennifer Connelly).
El pescador trata de recuperar a su familia y para ello tiene que conseguir un valioso diamante para el traficante. La periodista es testigo implicada en todo esto.



Había escuchado buenas críticas sobre esta película y sobre la actuación de DiCaprio, y aunque me costó, las ratifico.
Comienza bastante regular, por debajo de las espectativas, alguna que otra escena excesivamente manida, pero conforme van pasando los minutos la película va creciendo. Lo mismo ocurre con DiCaprio, en un principio pensé que las críticas habían sido excesivas pero es con el metraje cuando DiCaprio le va dando forma al personaje.
Quizás se queda algo corto el personaje de Solomon, el pescador nativo de Sierra Leona, por ser excesivamente bueno, bondadoso sin maldad ni malos pensamientos, aunque me gustó la actuación.


Lo mejor de la película: concienciar al espectador sobre el uso abuso que se hace de los niños en las guerras, cómo se les degrada a niños-soldado y también sobre cómo se ha robado a todo un continente.

Me ha parecido una película bien llevada que consigue entretener y que además hace uso de otra de las funciones del cine, que es la de informar, denunciar, mostrar una realidad. Despertar cierta inquietud en el espectador.

Escenas que me llamaron la atención (ojo)

• Solomon trata por encima de todo y repetidas veces de ir en busca de su hijo para rescatarlo, me sorprendí poniéndome del lado del traficante al pensar (yo) que si ya lo habían hecho niño-soldado ya estaba perdido, peor que si lo hubieran matado, era un niño-sin-retorno.
• La escena en que la periodista dice que si la gente de su país supiera de dónde vienen los diamantes no los comprarían.
  ¿En serio? Quizás alguna gente, otros lo olvidarían y otros se inventarían algo.

¿De qué me suena eso? (Máximo Pradera)

Un paseo informal por la música clásica

Recordaba a Máximo Pradera del programa "Lo Max Plus" de hace unos años en Canal +. Un buen programa a mi parecer y buena parte de culpa la tiene este señor.
Años después lo escuché por casualidad en la radio hablando de música, recuerdo que habló de Bach y de los Beatles y pensé ¡qué hace este tío hablando de música clásica!. Pero me gustó lo que escuché, y es que el tío es un melómano y sabe de música clásica. Descubrí que se trataba de una sección semanal del programa "La Ventana" de La Ser y a partir de ahí comencé a escucharlo todos los viernes por la tarde.

Estos minutos de "escuela musical" en la radio vino a raíz del libro que reseño, en el que Máximo acerca un poco la música, o la culturilla musical, al público llano que no ha estudiado nada de música, como yo.
Es un libro muy fácil y rápido de leer, escrito en un lenguaje coloquial y con el que además de conocer un poco de música clásica hace que te pique la curiosidad por escuchar ciertas obras.
El libro está divido en cuatro partes. En las tres primeras nos habla de los tres grandes autores de la música clásica: Mozart, Bach y Beethoven. Cuenta un poco cómo fue su vida y obras destacadas, todo envuelto en anécdotas que hacen amena la lectura.

Para poner un ejemplo transcribo un pequeño trozo:
"La tercera razón por la que Mozart es el Pelé de la música clásica es porque nadie ha destacado en tantos géneros compositivos como él. (...) prácticamente no hay género musical de fundamento donde no haya conseguido colocar una o varias obras maestras.
(...)
¿Conciertos? Acordaos de Memorias de África y de la maravillosa melodía para clarinete que escuchan en pleno pic-nic en la sabana Robert Redford y Meryl Streep: pertenece al Concierto para clarinete en la mayor..."


La última parte es una recopilación de películas donde se usan grandes obras de la música clásica, acabas con ganas de ver un montón de películas, prestando especial atención a la música, desde "Memorias de África" hasta "La naranja mecánica".


Recomiendo este libro para todo aquél que disfrute con la música y que por desgracia no haya tenido ninguna formación musical.